Moving Beyond the Border between the arts and design means establishing a constructive dialogue between the design culture and the culture of creativity and initiating a reflection on a method that favours a new conception of design for the third millennium. The aim is to reimagine the role of cultural and creative industries, the true supply chain of the know-how and wealth that identify Italy, and the sole alternative for restoring meaning to our history, with an eye on our future. This book brings together the different contributions presented during the international convention organised by the ISIA Faenza in occasion of the 12th Premio Nazionale delle Arti, Design section 2017. Its symbolic publication at the end of the centenary anniversary of the founding of the Bauhaus reopens debate on the disciplinary statues of design and responds to the need to question its educational models. This is equally true of the pressing considerations on teaching design and the determinant role that higher institutions of artistic education can and must have in re-designing new paradigms and scenarios for the future of design.

contributi di/contributions by
Alessandra Barbuto, Marco Bazzini, Becky Beasley, Giordano Bruno, Giovanna Cassese, Flaviano Celaschi, Claudia Collina, Luisa Maria Collina, Maria Corbi, Massimiliano Datti, Arturo Dell’Acqua Bellavitis, Beppe Finessi, Enrico Fornaroli, Giuseppe Furlanis, Claudio Gambardella, Paolo Gonzato, Elisabetta Gonzo, Massimo Isola, Daniela Lotta, Maria Letizia Melina, Franco Mello, Mario Nanni, Marinella Paderni, Anty Pansera, Jonathan Pierini, Raimonda Riccini, Pierluigi Sacco, Stefano Casciani

ISIA Faenza Design & Comunicazione è un istituto di formazione superiore del Ministero dell’Università e della Ricerca, settore dell’Alta Formazione Artistica, Musicale e Coreutica, ed è un’istituzione di primo piano nel mondo della creatività e della progettazione contemporanei che, fin dalla sua fondazione nel 1980, forma professionisti nel settore, sviluppando un dialogo sempre più serrato tra formazione, ricerca, produzione e valorizzazione della cultura del design. Rilascia diplomi accademici di I livello in Design del prodotto e materiali ceramici avanzati e di II livello in Design del prodotto e materiali avanzati, nonché in Design della Comunicazione, equiparati alle corrispondenti lauree magistrali in Design. Una delle caratteristiche che rendono gli ISIA un modello d’eccellenza nel panorama dell’Alta Formazione, è costituita dai rapporti diretti e assidui con il mondo dell’industria e della ricerca, grazie all’intervento di professionisti del design, artisti, esperti di settore e docenti universitari. Isia Faenza è un’istituzione culturale particolarmente attiva nel sistema del contemporaneo con una specifica Biblioteca di design intitolata a Bruno Munari e promuove l’internazionalizzazione attraverso gli scambi Erasmus con numerosi Paesi comunitari.

ISIA Faenza Design & Comunicazione is a higher institution of education operating under the Italian Ministry of the University and Research, Higher Education in the Arts, Music and Dance, that occupies a leading position in the world of contemporary creativity and design. Since its founding in 1980, the school trains design professionals and develops an increasingly more intense dialogue between education, research, manufacturing and the promotion of design culture. The school offers level I academic diplomas in Advanced Ceramic Product and Materials Design and level II diplomas in Advanced Product and Materials Design and in Communications Design, comparable to corresponding master’s degrees in Design. One of the characteristics that make the ISIA a model of excellence in the panorama of Higher Education is their direct and tireless relations with the world of industry and research. This is made possible by the presence of design professionals, artists, experts and university professors. The ISIA Faenza is a cultural institution particularly active in the contemporary system thanks to its specific design library dedicated to Bruno Munari. The school also promotes internationalisation through Erasmus exchanges with numerous countries in the European Union.

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È un universo labirintico quello di Mario, uno spazio delimitato dalle sue immagini, immagini che egli consuma con voracità e che crea con pari prodigalità. Di quello spazio egli è, a un tempo, ospite e prigioniero. Questo libro è l’occasione ideale per cominciare a esplorare il labirinto di Mario, con cautela, poiché smarrircisi è facile, precipitando dentro uno dei suoi paesaggi alieni, è possibile però anche ritrovarsi, rispecchiandosi, all’improvviso, dopo una svolta, nell’immagine di uno dei suoi gatti antropomorfi, ma è soprattutto possibile e anzi auspicabile, incontrare l’autore delle opere, che sorvola leggero una biforcazione al termine di un lungo corridoio; individuabile poiché ha le sembianze di Asterione camuffato da Stregatto. E anche quando l’esuberanza creativa di Mario è al servizio del progetto di comunicazione o dell’attività didattica è comunque un fattore decisivo che imprime forza ai contenuti, siano essi informativi ovvero formativi.

Stefano M. Bettega, allievo e amico

Siliano Simoncini (1941) dai primi anni Ottanta è docente di ricerca visiva presso l’ISIA di Firenze. Al suo attivo dunque, una lunga carriera nell’insegnamento che lo ha indotto a costruire nel tempo le caratteristiche peculiari della disciplina, via via evolutasi fino a configurarsi come propedeutica alla formazione di giovani orientati alla cultura del progetto. In parallelo, i suoi interessi per le arti visive gli hanno consentito di attuarsi come critico d’arte, appunto, in particolare dedicandosi a quella contemporanea e del Novecento, soprattutto pistoiese. Numerose le presentazioni in catalogo degli artisti di quel territorio, oltre a monografie e mostre storiche di singoli o periodi significativi che hanno qualificato le peculiarità di artisti come Mario Nannini, Andrea Lippi, Pietro Bugiani, Alfiero Cappellini, Corrado Zanzotto, Umberto Mariotti, Renzo Agostini, Sigfrido Bartolini, Remo Gordigiani, Aldo Frosini, Jorio Vivarelli, Franco Bovani fino a Roberto Barni, Umberto Buscioni e Gianni Ruffi appartenenti, negli anni Sessanta, alla cosiddetta “Scuola di Pistoia”. Ha fatto parte del Centro di documentazione sull’arte moderna e contemporanea pistoiese e della Commissione tecnica per le attività espositive programmate dall’Ufficio cultura del Comune di Pistoia.
Come mostrano accuratamente le pagine di questo libro, l’omaggio a Mario Lovergine necessita di affrontare una moltitudine di aspetti per dare la visione a tutto tondo della figura allo stesso tempo completa e complessa di un uomo che ha un’identità marcata: un grafico, un progettista, un artista, un professore, un maestro e ancora un collega, un amico, un cittadino intransigente e molto altro. Certo, ciascuno di noi incarna molti ruoli nella propria vita, ma coloro che non sono Mario Lovergine talvolta ne attivano solo uno per volta sapendo essere altro che se stessi, dimenticandosi o prendendo una vacanza dalla propria identità. Ecco, ciò non è mai stato il caso di Mario Lovergine, come accenna a più riprese l’autore del testo presentandone la formazione e il lavoro in modo esaustivo.

Michela Deni

Il titolo è indicativo di come questo libro intenda “narrare” l’esperienza del personaggio Lovergine ricostruendone sinteticamente le vicende artistiche, professionali e umane, non disgiunte dal forte temperamento che lo caratterizza; per cui, le sollecitazioni creative e il conseguente risultato sono permeati del vissuto esistenziale e si qualificano come insolita testimonianza del nostro tempo. Il consistente apparato iconografico e l’impaginazione, concepita come “specchio” dell’inventiva figurale dell’artista, consentiranno al lettore di recepire la ricchezza rappresentativa delle immagini e l’arguzia ironica delle frasi tratte dai suoi taccuini – inserite opportunamente a compendio – e di fare la “conoscenza” con un autore tra i più significativi della cultura contemporanea.

Siliano Simoncini

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La prima sessione del catalogo, intitolata Da un passato futurista a un futuro programmato, contiene gli interventi critici dei due curatori, che inquadrano l’origine del pensiero munariano, tra avanguardia futurista (dal polimaterismo al tattilismo) e arte programmata, al cui statuto l’artista giunge proprio attraverso le proiezioni di luce che rappresentano il punto più alto della sua sperimentazione, ponendosi come ponte tra la meccanica e l’elettronica.

Segue una seconda sessione, corredata da un articolato apparato iconografico e documentativo, dedicata alla Digitalizzazione delle Proiezioni a luce polarizzata.

Conclude la terza sessione, Testimonianze, che include testi di Giuseppe Morra, Direttore del Museo Hermann Nitsch, e di Giuseppe Furlanis, Direttore dell’ISIA (Istituto Superiore per le Industrie Artistiche) di Firenze. Al primo è affidato il racconto dell’esperienza della mostra Sculture nella città (1990), durante la quale una selezione di opere in metallo di grandi dimensioni realizzate da Munari è stata esposta sul lungomare e in altri luoghi di Napoli. Nella sua testimonianza Furlanis qualifica Munari come “poeta della semplicità”, rivolgendo particolare attenzione al suo metodo di ricerca e all’aspetto pedagogico della sua pratica artistica.

Un progetto editoriale che offre una rilettura poliedrica dell’opera di Munari, focalizzandosi su opere che hanno sfidato la storia e la critica d’arte, rimanendone ai margini in attesa di una loro ponderata rivalutazione.

In Mostra presso la Fondazione Plart, Napoli dal 29 novembre 2018 al 20 marzo 2019

L’uso di una materia che prende corpo nello spazio e che rende visibile una cosa che prima non si conosceva, questo potrebbe essere anche un raggio di luce. Tutto questo si collega poi con la luce polarizzata e quelle cose lì, che sono momenti di trasformazione di un’immagine che prima c’era e che poi non ci sarà più. Ma più che altro io penso che quello da considerare sia il passaggio di una forma attraverso una metamorfosi, allora non si ha più una forma definita ma un momento di passaggio da una forma ad un’altra.

The use of a material that takes form in space and makes visible something that was not known before, it could also be a ray of light. This is linked to the polarised light and all those things, which are moments of transformation of an image that was there before and then there will be no more. But, more than anything else, I believe that we should take into consideration the passage of a form through a metamorphosis, so that there is no longer a definite form but a moment of transition from one form to another.

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La complessità del nostro tempo richiede alle scuole di Design un aggiornamento continuo della didattica e un costante esercizio critico nell’approccio alla molteplicità dei processi di cambiamento di natura sociale, culturale ed economica. Si impone pertanto la ricerca di una didattica che affronti con consapevolezza i processi di innovazione tecnologica, sapendone valutare le frontiere più avanzate ma anche le problematiche correlate, legate all’impatto ambientale, al degrado e al depauperamento delle risorse naturali. Per confrontarsi su questi temi e sullo sviluppo della formazione del design in Italia, docenti che svolgono la propria attività di insegnamento negli ISIA, nelle università, nelle accademie di Belle Arti e in numerose scuole private di Design, si sono incontrati a Firenze in due giornate di studio promosse dal Ministero dell’Istruzione dell’Università e della Ricerca. Una iniziativa organizzata dall’ISIA di Firenze in collaborazione con la Conferenza Universitaria Italiana del Design (CUID), la Società Italiana del Design (SID) e la Conferenza dei Presidenti e dei Direttori degli ISIA. Questa pubblicazione, inserita nella collana “Teoria e cultura del design” di Gangemi editore, ne raccoglie gli atti. Prefazione di Marco Bazzini (Presidente ISIA) e di Maria Letizia Melina (Direttore generale MIUR). Postfazione di Tonino Paris. Contributi di: Anty Pansera, Giuseppe Furlanis, Vanni Pasca, Raimonda Riccini, Michela Deni, Salvatore Zingale, Paolo Deganello, François Burkhardt, Claudio Germak, Salvatore Iaconesi, Massimo Muzio-Sale, Giuseppe Lotti, Giovanna Cassese, Benedetta Spadolini, Rodrigo Rodriquez, Andrea Vallicelli, Eliesabetta Gonzo, Perla Gianni Falvo, Massimo Ruffilli, Medardo Chiapponi, Silvia Piardi, Leonardo Romei.

Giuseppe Furlanis è Direttore dell’ISIA di Firenze e coordina il Tavolo Tecnico MIUR per il Design. È stato Presidente del Consiglio Nazionale dell’Alta Formazione (CNAM) del Ministero dell’Istruzione dell’Università e della Ricerca (MIUR). Fa parte della commissione formazione del Tavolo Nazionale della Moda costituito dal Ministero dello Sviluppo Economico (MISE). Dal 1985 al 1990 – all’interno di programmi di cooperazione internazionale del Ministero degli Affari Esteri (MAE) – è stato coordinatore scientifico dell’Art and Design Centre di Malta e del Centro di Disegno Industriale di Montevideo. Ha coordinato corsi di aggiornamento nell’ambito del design per docenti universitari di più paesi, Argentina, Brasile, Cile, Giappone, Malta, Messico, Paraguay, Uruguay. Ha curato numerose mostre e convegni nell’ambito del design e dell’arte. È stato Presidente dell’Accademia Nazionale di Danza e attualmente è Presidente del comitato scientifico di Verona Academy, Polo Artistico Nazionale per il Teatro musicale e l’Opera lirica di Verona. È direttore scientifico della collana “Teoria e cultura del design”, Gangemi editore.

L'articolo La didattica del design in Italia proviene da Gangemi.

This volume gathers the proceedings of The future of the contemporary. Conservation and restoration of design, first international conference on the subject in Italy, which was held at the Plart Foundation in Naples on May 14th and 15th 2015 during the International Design Festival. Design and art historians, Italian and international museum directors, gallerists, restorers, conservation scientists and designers take stock of the issues regarding the conservation of design, term that comprehends a great heritage of know-how and objects, icons of our contemporaneity, that are to be transmitted to the future as they are testimonies of our civilization. Five sections explore the different issues faced during the conference: Today’s design between past and future: art, architecture, handcraft and industry; Issues in the conservation of contemporary art and design; Over to the designers: research, innovation and durability; Conservation of design: Italian and international research; New frontiers: bio plastics and sustainable restoration. The initiative is in line with the policies of the Plart Museum, a centre of excellence in Italy that preserves, studies and promotes a great historical collection of plastic design objects and that pursues the diffusion of the culture of synthetic materials for design and the scientific research regarding their conservation.

L'articolo Il futuro del contemporaneo – The future of the contemporary proviene da Gangemi.

L'articolo Premio Nazionale delle Arti 2008 proviene da Gangemi.

L'articolo Design Quality & Value proviene da Gangemi.

“Stiamo oggi bruciando attraverso le eccessive energie di futuri diversi verso la radiosa stella del momento post-umano.
Mentre la volontà di tecnologia promette angeli (elettronici) nel futuro dell’uomo, essa stessa prefigura l’inevitabile ciclo della nostra caduta dalla grazia digitale.
Se il 2005 è il centesimo anniversario dalla pubblicazione della teoria della relatività ristretta di Einstein, perchè non possiamo finalmente considerare la questione del design come una particolare istanza della relatività?Š ”
– Arthur Kroker

“Dobbiamo renderci non unilaterali e trasgredire quelle frontiere che usano l’unilateralità al fine di attirare l’utenteŠ ”
– François Burkhardt

Mirko Tattarini è docente di Design della Comunicazione all’ISIA di Firenze e ha ideato e diretto la conferenza internazionale X-Media. Teorico e progettista alterna la docenza alla professione di designer come fondatore e direttore di Lagos esign a Firenze Bucharest e Sofia.

Digital Medina è il risultato di un processo di stesura autografa e continua revisione affiancato alla raccolta di conversazioni sul progetto, avvenute sul web o vis à vis nell’arco di tre anni.

L'articolo Digital Medina proviene da Gangemi.

E non soltanto per le differenze tra le culture dei territori, come ha constatato chi ha partecipato a Designing Designers, il convegno internazionale tra le Scuole Universitarie di Design che si tiene da alcuni anni, in Aprile, a Milano.

Ma all’interno dello stesso territorio, nella nostra Italia ancora leader nel design, crogiolo in cui sobbollono talenti di progettisti ed energie ed intuizioni d’imprenditori, coesistono differenze nel modo di concepire l’insegnamento, nella filosofia didattica, nel DNA delle diverse istituzioni scolastiche.

È il caso di ISIA Firenze, le cui radici e la cui identità nascono da chi, nel lontano 1962, la concepì e la connotò: Giulio Carlo Argan, Eugenio Calò, Giuseppe Ciribini, Angelo Maria Landi, Ernesto Rogers, e dai primi docenti, quali Giovanni Klaus Koenig, Pierluigi Spadolini, Leonardo Benevolo, Vittorio Franchetti Pardo.

Ne seguo da qualche tempo, prima come membro del Comitato Scientifico Didattico, ora come Presidente, l’evolversi ed il confrontarsi con la riforma del sistema dell’Alta Formazione Artistica e Musicale, cui esso formalmente appartiene, in quanto Istituto Superiore per le Industrie Artistiche, questo significa l’acronimo ISIA, cui va stretto tanto da avere suggerito il sottotitolo Industrial Design Firenze.

Ed è un confronto difficile, perché l’ISIA è atipica. Per tanti aspetti.
Ne cito alcuni:
· Vi è, nei circa 25 docenti, una diffusa voglia di sperimentare forme nuove di didattica attraverso il dialogo tra diverse filosofie progettuali, tra portatori di linguaggi e di tendenze anche contrastanti, protesi come tutti sono a cogliere i cambiamenti della committenza e nel mercato, con punte di forte attenzione alle modifiche di contesto sociale.
· Il livello di motivazione ad impegnarsi e ad apprendere dei circa 30 studenti che annualmente sono ammessi ai corsi – il numero chiuso viene definito ogni anno – le domande sono molte, un numero insolitamente alto, e permane tale fino all’ultimo anno. Se sono presenti fuoricorso è semplicemente perché tutti trovano lavoro prima di concludere il loro ciclo formativo e portano dentro la scuola l’esperienza di chi verifica, nel lavoro, quel che ha imparato.
·L’approccio interdisciplinare, nel senso più stretto del termine, è, ovviamente di casa:
ISIA insegna a progettare tenendo conto della complessità e delle mutazioni del tessuto
socio-economico, dell’innovazione delle tecnologie e dei materiali, dell’attenzione da prestare alle forme naturali ed al modo di lavorare dell’artigiano: la scuola come laboratorio di ricerca, dunque.

In questo libro François Burkhardt colloca l’ISIA di Firenze nella storia, recente
ma intensa, della didattica del Design.
Esso però, come appare anche della prefazione di Omar Calabrese e dallo scritto di Gilberto Corretti, non vuol essere uno strumento autoreferenziale, celebrativo; piuttosto, come si diceva con Giuseppe Furlanis che dirige l’ISIA dal 1990, questo testo si propone di avviare una riflessione su come si può insegnare il design, oggi, partendo dalla testimonianza di una scuola che, con pochi mezzi, ha costruito una realtà protesa all’eccellenza.

Rodrigo Rodriquez

L'articolo Design Qualità e Valore proviene da Gangemi.

L'articolo Fiabesque. La città delle fiabe – The city of fairy tales proviene da Gangemi.