“Credo che il progetto sia un’operazione unica in Italia, fortemente voluto da Lamarca (…) – afferma il teorico dell’arte Achille Bonito Oliva, curatore generale del progetto –. É un’emozione viverla, è un’emozione raccontarla. (…) Così il carcere di Taranto si trasforma in un’opera da esplorare. (…) Entra in una diversa lettura del tempo e dello spazio: inedita, minuziosa, capillare, attenta al dettaglio. Da qui, credo, può venire fuori una nuova regola dello sguardo e una nuova percezione.”
Il critico Roberto Lacarbonara scrive, nel suo saggio: “Doppio anche l’approccio autoriale da parte dell’unico artista coinvolto. Se da un lato De Mitri – non nuovo alla sperimentazione nell’ambito dell’estetica relazionale e della didattica artistica – opera attraverso il coinvolgimento e coordinamento di soggetti-non-artisti, dall’altro l’intera operazione risulta priva di un autore determinato, o addirittura antiautoriale. In questo modo i detenuti vengono coinvolti sia nel concepimento delle soluzioni allestitive che nell’ideazione stessa dell’intera operazione, generando forme collaborative finalizzate all’educazione, alla cittadinanza attiva e alla resistenza sociale, culturale e politica.”
“Il progetto L’altra città parte – scrive l’artista Giulio De Mitri – da un’idea di Giovanni Lamarca, attraversa e si fa corpo con il linguaggio dell’arte costruendo un proprio immaginario, sino a realizzarsi opera compiuta, ovvero “scultura sociale”. Un percorso esperienziale, partecipativo, interattivo e plurisensoriale che offrirà a noi tutti un ulteriore contributo culturale e di solidarietà sociale.”
“Il progetto rielabora – come afferma Giovanni Lamarca – l’esperienza di detenzione come momento di reale crescita interiore e di apertura a possibili cambiamenti.”

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Catalogo della mostra aperta al MACRO di Roma dal 2 giugno al 24 luglio 2016

Con grande entusiasmo ho curato le scelte artistiche e di contenuto – in stretta collabo-razione con i professionisti di C. O. R. – della mostra Tattoo Forever.
Con due obiettivi primari. Il primo: presentare il tattoo al grande pubblico e a chi poco sa di tatuaggio come simbolo delle nuove generazioni, che lo interpretano e lo vivono come strumento di seduzione, di trasgressione, per imprimere un momento importante della loro vita o per comunicare attraverso le sue molteplici simbologie; un moderno lin-guaggio universale per esprimere una creatività colta, ostinata, attenta ad accogliere con sensibilità le inquietudini che agitano la continua evoluzione di un mondo sempre sospeso tra ragione e passione. Ma anche un richiamo ancestrale dalla storia più che millenaria, che proviene dall’inconscio e che tramuta le emozioni in indecifrabili segni e grafie, che si trasformano in compagni di quel meraviglioso viaggio che è la vita. Il se-condo: dare al tatuaggio un riconoscimento dovuto, come avvenuto di recente nelle importanti rassegne di Parigi e di Londra, che lo hanno celebrato come undicesima e acclamata espressione d’arte visiva contemporanea. Un’accoglienza ormai dovuta dal mondo dell’arte, con cui ha dimostrato di avere una forte contaminazione.
Dall’introduzione di Marco Manzo

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L’esperienza di restauro condotta nel Palazzo Scapucci rappresenta un esempio di studio interdisciplinare che ha dato luogo ad una lettura criticamente controllata e tale da indurre a prendere coscienza dei valori propri dell’opera architettonica e, in senso più ampio, ad ‘ascoltare’ (osservando), scegliere e selezionare, in vista dell’elaborazione del progetto e nel corso della sua realizzazione.
Il risultato si manifesta in una progettazione attenta e mirata alla distinguibilità del nuovo intervento rispetto alla preesistenza, alla reversibilità, alla compatibilità chimico-fisica, al minimo intervento e al controllo estetico dell’insieme architettonico, in un attento ‘contemperamento’ delle istanze storica ed estetica. La pubblicazione rappresenta un considerevole apporto alla conoscenza di esempi emblematici dell’architettura romana, anche con la proposizione di nuove strutture interpretative e storiografiche, e costituisce un altrettanto importante contributo relativo ai princìpi, alla natura e alle procedure degli interventi di restauro realizzati sul palazzo romano.

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Since the 1980s, Maria Luisa Belcastro Schneidersitz has essentially been painting the same work in different forms. Indeed, this is what most artists do, since it is impossible to move beyond the boundaries of one’s self. Every work of art is like an ‘other’ in which the artist reflects him/herself, often without recognizing him/herself, as in the myth of Narcissus – a fitting metaphor for painting […]. This is the case with the kind of Comédie humaine painted by Maria Luisa by dipping the “brush into the colours of life” – of her life, of course. But unlike Honoré de Balzac, who sought to tell the story of every protagonist in his Comédie humaine, the artist simply portrays each figure, leaving it up to the viewer to imagine the story in the background. Here it is useful to always bear in mind that, even when it distances itself from visual appearances, art is capable of grasping ‘other’, hidden aspects of reality as Francis Bacon and Jean Dubuffet have done, to mention but a couple of examples.

Maria Luisa Belcastro Schneidersitz si è diplomata all’Accademia di Arti Ornamentali San Giacomo di Roma. Ha esposto in importanti gallerie italiane (Russo e Il Gabbiano, Roma; Appiani Arte 32, Milano; La Bezuga, Firenze) e straniere (Arkitettura, San Paolo del Brasile; Madison Gallery, Toronto; Sala Pelaires, Palma di Maiorca; Ambit, Barcellona; Ryals Gallery, Florida). Critici prestigiosi si sono interessati alla sua arte (Vito Apuleo, Lucio Barbera, Achille Bonito Oliva, Toti Carpentieri, Vitaliano Corbi, Floriano De Santis, Giorgio Di Genova, Raffaele Monti, Antonello Trombadori, Marisa Vescovo). Vive e opera a Roma, con studio in Trastevere.

Maria Luisa Belcastro Schneidersitz graduated from the Accademia di Arti Ornamentali San Giacomo in Rome. She has exhibited her works in major galleries in Italy (Russo and Il Gabbiano, Rome; Appiani Art 32, Milan; La Bezuga, Florence) and abroad (Arkitettura, São Paulo; Madison Gallery, Toronto; Pelaires Hall, Palma de Mallorca; Ambit, Barcelona; Ryals Gallery, Florida). Celebrated critics have shown an interest in her art (Vito Apuleo, Lucio Barbera, Achille Bonito Oliva, Toti Carpentieri, Vitaliano Corbi, Floriano De Santis, Giorgio Di Genova, Raffaele Monti, Antonello Trombadori, Marisa Vescovo). She lives and works in Rome, where she has a studio in Trastevere.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea
dal 31 gennaio al 30 marzo 2013.

Il volume raccoglie le immagini delle ultime installazioni realizzate da Giovanni Albanese, artista eclettico e multimediale fra i più interessanti del panorama italiano.
Opere, come scrive Achille Bonito Oliva nel testo Macchine eloquenti e l’uovo di Colombo pubblicato nel catalogo edito da Gangemi, “organizzate su un programma circolare a cui il pubblico può accedere ma rimanendo sulla soglia”.

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Even though ltalian art over recent decades has been experimenting with new techniques and approaches to image-making, it still falls within the broad lines of a long tradition spanning from the Renaissance up to the present day. A recurring theme running through ltalian art for almost five hundred years now is represented by its concern tor form, understood as the capacity to transform material and to contribute to the revelation of its inner meaning. ltalian art of the post second world war period was characterised by a need to formalise the artwork, with the artist maintaining strict control over materials in a space tempered by emotional impetus and imperturbable method – a Dionysian pulse combined with an Apollonian gaze. lt is no accident that behind today’s artistic trends lies a grand tradition which has always attempted to bring to the image, as a kind of outlet for an iconographical urgency in which form and morality merge.

Polish, Italian and English text

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