Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 9 ottobre al 30 novembre 2018

La mostra “Rigenerazioni”, progettata appositamente per gli spazi della Galleria Anna Marra di Roma, presenta gli esiti più recenti (e gli sviluppi futuri) di questa autoriflessione di Aron Demetz sul metodo, i materiali e le finalità del fare scultura oggi. Il fuoco rigeneratore è elemento incorruttibile, causa prima unificante e scatenante, fiamma estinta, ma sempre latente, che fissa l’idea in una forma conferendo vita alla materia. “Rigenerazioni” congela per un lasso di tempo non determinabile a priori lo spazio autoriale di Demetz e rivela la grammatica espressiva del suo mutevole linguaggio rigenerativo. Che si tratti di legno o bronzo, di materiali naturali o inerti, di terre o scarti, il fuoco cambia forma (combustione, fusione o attrito) per aggredire la materia e rivitalizzarla per mano dell’artista: ‘Nulla si crea, nulla si distrugge, tutto si trasforma’ (Postulato fondamentale di Antoine-Laurent de Lavoisier).

The exhibition “Regeneration”, designed precisely for the spaces of Galleria Anna Marra in Rome, presents the most recent results (and future developments) of Aron Demetz’s self-reflection on the method, materials and objectives of sculpture today. Regenerating fire is the incorruptible element, the unifying and causative moving force, the flame out, though always latent, that fixes the idea in a form conferring life to material. “Regeneration” freezes for a moment in time which cannot be a priori determined Aron Demetz’s authorial space and reveals the expressive grammar of his changing regenerative language. Whether we speak of wood or bronze, of natural or inert materials, of earth or waste, fire changes shape (combustion, fusion or friction) to attack material and revitalize it through the artist’s intervention: ‘Nothing is created, nothing is destroyed, all is transformed” (fundamental postulate of Antoine-Laurent de Lavoisier).

L'articolo Aron Demetz proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 6 marzo al 7 aprile 2018

In più di trent’anni di carriera, Bertozzi & Casoni hanno costruito il loro mondo interiore, quello «delle cose come sono dentro», nel quale il pensiero ha continuamente tradotto in immagini la loro interpretazione della realtà che si è esteriorizzata assumendo le forme della scultura ceramica. Sebbene a uno sguardo distratto queste sculture possano sembrare “copie del reale”, riproduzioni dal vero di ciò che già esiste sotto ai nostri occhi, per l’accuratezza nella finitura dei minimi dettagli, di fatto, invece, non parlano mai la lingua del realismo, ma quella più complessa del sembiante

Throughout their careers of more than 30 years Bertozzi & Casoni have built up their interior world, composed “of the things that are inside”, in which thought translates their interpretations of reality into externalized images that then take on form as sculpted ceramics. Though at first glance these sculptures might seem “copies of reality”, reproductions of that which already exists in our experience, because of the accuracy in the finishing touches of the tiniest details, in fact they only seem to speak the language of realism but rather are related to the more complex one of likeness

L'articolo Bertozzi & Casoni proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 18 maggio al 30 giugno 2017

Nonostante la mediazione della pratica dell’arte e il medium della tecnica e dei materiali, Paolo Grassino non perde mai di vista né il mondo reale che lo circonda né la società con le sue contraddizioni; anzi, ne trae gli spunti per criticare il presente e per offrirne la sua originale interpretazione. Rappresentare banalmente ciò che esiste è un atto di poco significato per l’artista, perché ciò che esiste è già sotto i nostri occhi, e quindi lo possiamo vedere e sperimentare direttamente; ancora meno significante è riprodurlo fedelmente, riducendo l’arte a un mero esercizio di stile. Dove questo accade, c’è assenza di arte. E Paolo Grassino lo ha capito perfettamente mettendo in scena la sua sostenibile visibilità dell’assenza.

Notwithstanding the
mediation of how he practices art and the medium of his
technique and material, Paolo Grassino never loses sight
of the real world that surrounds him or of society and
its contradictions; rather, these serve as his muses as he
criticizes the present and offers his original interpretation.
Representing banally what exists is, for the artist, an act with
little meaning, because what exists is right in front of him,
and so we can see and live it directly; still less meaningful is
a faithful reproduction of what we see as it reduces art to
a mere exercise in style. Where this happens, there is an
absence of art. And Paolo Grassino understands this perfectly
here he presents us his sustainable visibility of absence.

L'articolo Paolo Grassino proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 12 gennaio al 22 febbraio 2017.

Gutierrez si confonde tra le donne inanimate, fatte di plastica e diventa una di loro assumendone di volta in volta le medesime sembianze e posizioni: costumi, accessori, trucco, pose del corpo ed espressioni del viso sono pensati e realizzati dall’artista per ogni set. A prima vista, l’osservatore non è in grado di distinguere la figura umana dal manichino. Il manichino – uomo o donna che sia – è il mezzo per creare un alter ego dell’artista, la coscienza critica attraverso cui esplorare tutto quello che noi viviamo proviamo e condividiamo nella società.

L'articolo Focus on Martine Gutierrez proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea

«Siamo quello che ricordiamo – ripete spesso Anna Caruso –e saremo ciò che ricorderemo». La componente temporale è, quindi, necessaria ed essenziale per comprendere il complesso impianto narrativo e l’iconografia sofisticata che caratterizzano i suoi dipinti: il filtro del tempo, che trascorre inesorabile, sbiadisce i ricordi individuali fino a cancellarne l’immagine psichica e allontana ciascuno di noi dall’”essere stato”, trasformando lentamente le vicende autobiografiche in una riflessione più universale e omnicomprensiva sul significato della memoria.

Often Anna Caruso repeats, “We are what we remember and will be what we will remember”. So the temporal element is necessary and essential to understanding the complex narrative and iconographically sophisticated system that characterises her paintings: the filter of time, passing inexorably, dimming individual memories until it cancels the psychic images and distances each of us from “have been”, slowly transforming autobiographic events into reflections on the universal and omnicomprehensive of the meaning of the memory.

L'articolo Anna Caruso proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dall’14 gennaio al 20 febbraio 2016

La creatività è una condizione esistenziale che si sviluppa necessariamente nel tempo e nello spazio. Si alimenta della dialettica tra realtà e utopia e si esprime compiutamente quando l’artista prende coscienza della maturità del proprio linguaggio, impegnandosi in un campo di ricerca innovativo rispetto al panorama espressivo contemporaneo. Considerando da questo punto di vista il lavoro svolto fino a oggi da Maria Elisabetta Novello, è possibile affermare con sicurezza che lei ha già raggiunto la piena consapevolezza, e padronanza, del suo originalissimo modo di fare arte e su questi presupposti ha costruito una carriera professionale solida e di qualità. La sua forza risiede nella tenace ricerca della propria identità artistica attraverso l’uso di materiali molto particolari per comunicare la sua visione del mondo nelle forme dell’arte.

Creativity is an existential condition which is necessarily developed in time and space. It is nourished by the dialectic between reality and utopia and can only be fully expressed when the artist becomes aware of the maturity of his/her own language, while labouring in a field of research that is innovative as compared to the contemporary expressive panorama. As we look at the work Maria Elisabetta Novello has done up to today keeping this in mind it is possible to state with conviction that she has reached total awareness, and a mastery of her very original way of creating art and it is on and around these assumptions that she has established her reputation for quality and built her solid professional career. Her strength lies in her tenacious research into her real artistic identity through the use of very particular materials to communicate her vision of the world in artistic form.

L'articolo Maria Elisabetta Novello proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea

In questa doppia personale, pensata per gli spazi di Anna Marra Contemporanea, Elena Nonnis e Chiara Valentini uniscono le forze per spingerci a riflettere sul delicato – e, purtroppo ancora oggi, di estrema attualità – tema della sopraffazione, declinato nelle sue molteplici forme, che getta nella spirale della violenza vittime e carnefici. Solo grazie all’educazione al rispetto della persona e alla diffusione della cultura della diversità sarà possibile arginare e reagire alla violenza di genere.

In this double personal, designed for the spaces of Annamarracontemporanea, Elena Nonnis and Chiara Valentini join forces to oblige us consider the delicate – today still tragically current – subject of abuse, declined in its many forms, that casts into the spiral of violence both victims and perpetrators. Only through education that teaches us to respect all people and to a spread of the culture of diversity will it be possible to curb and fight sexual violence.

L'articolo Focus on Elena Nonnis e Chiara Valentini proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dall’24 settembre al 30 ottobre 2014.

Berlino, una mattina presto, orario di punta.
Vincenzo Rulli si confonde tra la folla di impiegati, studenti e turisti, che anima la U-Bahn in un giorno di ordinaria quotidianità. Vestito di tutto punto ci si aspetta che abbia una 24ore con sé e invece lo si scorge scendere e salire dai convogli con un arnese inconsueto in mano. Forse un manifesto da corteo, forse una bandiera. L’artista si immerge nel tessuto di una società urbana articolata – come fosse un novello Prometeo in discesa verso gli Inferi – per svolgere la sua particolare missione: la ricerca ostinata e incessante di una chiave di lettura della realtà che lo circonda, adoperando gli strumenti a lui più congeniali, quelli effimeri del fare arte.
Una serie di scatti fotografici documenta lo spostamento di quest’uomo qualunque e di un’umanità variopinta che viaggia con lui nel ventre della città. Foto rubate, scevre da ogni estetismo e leziosità, scattate in modo da rappresentare lo scorrere della vita comune. È il racconto di un breve viaggio sotterraneo tra volti sconosciuti, etnie differenti che animano la Berlino contemporanea, con l’obiettivo di raggiungere un luogo altro, un altrove inusuale fra le mura della città.
L’azione performativa si trasferisce poi in un parco verde pubblico, meta frequentata e vissuta dai residenti. Riemerge dai percorsi sotterranei, all’aperto, esplora l’atmosfera, scruta l’aria e il suo portato in sospensione. Quindi dispiega le coppie di aste, srotola le garze semitrasparenti che le uniscono e pianta a terra quattro raccoglitori di semi di pioppo. I raccoglitori, privi dell’utilità oggettiva che contraddistingue gli oggetti usuali del nostro mondo quotidiano, sottraggono lo sguardo all’abitudine sollecitandoci a porre la domanda sul senso stesso. I sostegni flessibili dei raccoglitori ondeggiano silenziosi nell’aria, mentre il tessuto leggero intercetta e trattiene tra le sue fitte trame migliaia di candidi piumini.
Una camera fissa riprende l’evento, registra i rumori della natura e il brusio lontano della metropoli.
Nulla accade intorno, nulla disturba la quiete di questo momento fortemente lirico, a tratti onirico.
Tutto il lavoro si sviluppa per progressiva elisione di sovrastrutture mentali. In questa direzione l’indagine poetica supera la contraddizione tra consueto e inconsueto. Inizia così l’ultimo passo di questo percorso di avvicinamento all’essenza del fare arte. Il fiore di pioppo diventa un materiale della scultura, la sostanza da cui l’autore riparte per meditare e indagare sull’esperienza vissuta, per ricostruirne la memoria sotto forma di opera d’arte.
La mostra ripercorre le tappe salienti della recente riflessione di Vincenzo Rulli. In un allestimento rarefatto e rigoroso, le opere si accostano l’una all’altra in un gioco continuo di rimandi e di contrasti, ove si confrontano tecniche e si sperimentano linguaggi. Una selezione di stampe fotografiche testimonia in due momenti cruciali l’atto performativo, che dispiegandosi dialetticamente tra civiltà e natura, sboccia in un nuovo legame che l’artista instaura con il mondo circostante.
Agli scatti si affianca la videoproiezione sulla raccolta dei semi di pioppo nel parco cittadino di Kreuzberg, una ripresa a camera fissa riproposta in loop (4′ 43”).
C’è anche spazio per alcuni frammenti di realtà: un esemplare del raccoglitore, i sacchi di cotone ricolmi di spore, un paio di scarpe leggere – modellate sul piede dell’artista – con le quali volare lontano.

Lorenzo Respi

L'articolo Focus on Vincenzo Rulli proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dall’11 giugno al 31 luglio 2014.

Nella loro essenzialità i lavori di Emiliano e Luca non risultano né banali né superficiali, sono complessi e stratificati, e spesso pagano il prezzo di essere di difficile comprensione a un’analisi poco attenta. Il duo campano inventa un linguaggio originale e immediatamente riconoscibile, che, pur mantenendo come punto fermo la cartapesta, si rinnova e si evolve nel tempo adattandosi alle mutate e mutevoli esigenze della comunicazione.

“Maneggiare con cura” non è solo un esplicito richiamo alla fragilità intrinseca nel materiale cartapesta, ma è soprattutto un avvertimento per il pubblico, un monito a non guardare alle opere del duo campano con superficialità, un’esortazione ad andare oltre la materia e la tecnica per riflettere sul senso più profondo dell’impasto mediatico. Dalla fragilità della cartapesta – e dalla consapevolezza di essere fragili loro stessi – Perino & Vele partono per ricostruire una realtà diversa e ancora possibile. Stesa in fogli sottili e colorati, impastata in trapunte a scacchiera o resinata per diventare immune alle intemperie del tempo, la cartapesta costruisce forme e condensa significati, dialoga con lo spettatore attraverso la spontaneità del linguaggio visivo, per comunicare un messaggio nuovo, il punto di vista degli artisti sulla società e il tempo presente.

In their essentiality, the works of Emiliano and Luca are neither banal nor superficial, and often they pay the price of careless analysis making them too difficult to understand. The duo from Campania invented an original and immediately recognisable language that, though it always uses papier-mâché, it takes on new aspects and evolves over time adapting itself to the changed and changing needs of communication.

“Handle with care” is not only an explicit reference to the intrinsic fragility of papier-mâché, but above all it is a warning to the public, a warning not look at the works of Campania duo superficially, an exhortation to go beyond the material and the technique to reflect on the deeper sense of this mixture of media. From the fragility of papier-mâché – and from the awareness they themselves are fragile – perino & vele set out to reconstruct a different but still possible reality. laid out in thin colourful sheets, kneaded into checkered quilts or coated in resin making them immune to the weather, the papiermâché constructs shapes and condenses meanings, dialogues with the spectator using the spontaneity of the visual language, to communicate a new message, the artists’ points of view on society and our times.

L'articolo Perino & Vele proviene da Gangemi.

Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dal 2 aprile al 24 maggio 2014

Nelle opere realizzate per la mostra da Anna Marra Contemporanea il linguaggio della Fiorelli è cambiato.
L’estremo rigore formale che da sempre contraddistingue le sue sculture è entrato in crisi. Il filo di cotone si allenta e si flette su se stesso fino a perdere la tensione strutturale e la facoltà ordinatrice: le geometrie ortogonali collassano e si contorcono, i piani paralleli vacillano e interferiscono, le ampie campiture nere avanzano sulle superfici annullando la corretta percezione della profondità e cancellando l’architettura del segno. La scultrice segue con destrezza l’inconsueto impulso creativo, costruisce trame complesse e vorticose, consapevole di arrivare a un punto di non ritorno – l’orizzonte degli eventi, appunto – oltre il quale ordine e disordine si fonderanno insieme nell’unità dell’opera. E sarà per lei un nuovo inizio, un ulteriore passo avanti nel suo modo di intendere la scultura. Gli esiti attuali della ricerca mostrano una Fiorelli più introspettiva, quasi malinconica, inquieta ma fiduciosa nel futuro del suo lavoro. Trasmette emotività al plexiglass, infonde espressività alla trama dei fili, elude la prospettiva alla vista. L’ordine del calcolo geometrico si piega all’impulsività dell’animo umano, che manifesta se stesso in andamenti vorticosi, cancellazioni di colore nero e disambiguità percettive. La mano di Emanuela si lascia guidare dal suo stato d’animo, segue l’indole e si libera dall’eccesso di ordine, intesse trame veloci più spontanee e irruente. La trasgressività del non-canonico rinvigorisce quella perfezione cristallizzata, spesso fredda e distaccata, di molti lavori precedenti. Sembra quasi che la Fiorelli stia riprendendo in mano il filo della sua vita.

L'articolo Emanuela Fiorelli proviene da Gangemi.