L’apporto di Paula Cortazar, Benjamin Degen, Alexandra Karakashian, Michele Mathison potenzia una riflessione su diverse possibilità di rendere intelligibile il mondo in cui viviamo, da cui proveniamo, verso cui muoviamo e del nostro stare al mondo. Ecco che la relazione memoria/tempo attraversa evoluzione di forme e materiali nel lavoro; le scie di esistenza attraverso la tensione di energie in cambiamento; il focus sulla ricchezza della manualità e del corpo come soggetto senziente e come corpo-linguaggio, possono condurre a nuove forme di comprensione. In particolare, il rapporto con la natura, con l’ambiente – al contempo spazio storico e organico – attraversati per ragioni sociali o per tensione esplorativa personale, fa vibrare all’unisono e canalizza quella speciale energia che è il collante fra noi e il mondo. L’opera può portare alla luce quell’energia.

The contributions of Paula Cortazar, Benjamin Degen, Alexandra Karakashian and Michele Mathison further enable us to reflect on the different possibilities, to make more intelligible the world we live in, the one from which we have come, the one we are headed toward as well as “our being in the world”. Thus the relation between memory and time crosses the evolution of forms and materials in the works; the traces left as existence crosses the tensions of energy, as it changes; the focus on the wealth of manuality and the body as a sentient subject and as body-language, can lead us to new forms of understanding. In particular the relationship with nature, the environment – at one and the same time historic and organic space – crosses for social reasons or because of personal explorative tensions, makes the special energy that links us and the world vibrate in unison, channeling it. An artwork can bring light to this energy.

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Collana FOCUS ON a cura di AnnaMarra Contemporanea

Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 18 aprile al 26 maggio 2018.

Protagoniste sono le sculture di Licia Galizia, artista abruzzese che dagli inizi degli anni ’90 si muove tra forma e materia con abile manualità e senso dell’equilibrio. La sua ricerca affonda le radici nell’Arte concettuale e nell’Arte povera, con l’influenza diretta di Fabio Mauri e Pizzi Cannella, e si rende da subito autonoma e del tutto particolare con una scultura astratta fatta di segni, leggerezza, minimalismo e movimenti futuristici. Dal 2005, a seguito dell’incontro con il compositore Michelangelo Lupone, la ricerca scultorea di Licia Galizia acquista una nuova dimensione potenziando il dialogo con lo spazio e con il pubblico; prosegue il legame con la materia ma si rafforza lo slancio verso l’interazione con l’ambiente umano e architettonico, in un atto di libertà finalizzato ad un allargamento dei confini della ricerca artistica, verso nuove risposte e nuovi stimoli.

The protagonists are the sculptures of Licia Galizia, an artist from Abruzzo who, since the early 1990s, has moved between form and matter with a skillful ability and equilibrium. Her research has its roots in Conceptual Art and Arte Povera, and is directly influenced by Fabio Mauri and Pizzi Cannella, soon she became autonomous with her own characteristics: abstract sculpture composed of signs, lightness, minimalism and futuristic movements. After a meeting with the composer Michelangelo Lupone in 2005, Licia Galizia’s sculptural research took on a new dimension enhancing its dialogue with space and the public. Continuing her link with material, her art was reinforced by a trend toward interaction with its human and architectonic surroundings, in an act of freedom whose objective was to widen the boundaries of her artistic research, toward new answers and new stimuli.

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I lavori di Botticelli e Shish, benché abbiano alcune affinità, seguono due percorsi antitetici, presentando, ciascuna a suo modo, una affascinante miscela di emozioni contraddittorie, senza mai contestualizzare la loro narrativa in un luogo e tempo preciso. È una pittura densa di emozioni, dal carattere fortemente gestuale, capace di impressionare lo spettatore e sfidarlo intellettualmente, pur mantenendo un linguaggio visivo universalmente comprensibile.

Botticelli’s and Shish’s works are on two antithetic paths, each presenting in her own way, a fascinating mixture of contradictory emotions, in narratives that never contextualize them in a precise time or place. Here is painting dense with emotion, with strong gestural characteristics, capable of making an impression on the spectator and challenging him or her intellectually, though it maintains a universally understood visual language.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 12 gennaio al 22 febbraio 2017.

Gutierrez si confonde tra le donne inanimate, fatte di plastica e diventa una di loro assumendone di volta in volta le medesime sembianze e posizioni: costumi, accessori, trucco, pose del corpo ed espressioni del viso sono pensati e realizzati dall’artista per ogni set. A prima vista, l’osservatore non è in grado di distinguere la figura umana dal manichino. Il manichino – uomo o donna che sia – è il mezzo per creare un alter ego dell’artista, la coscienza critica attraverso cui esplorare tutto quello che noi viviamo proviamo e condividiamo nella società.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 17 marzo al 7 maggio 2016.

Sean Crossley, nato a Melbourne (1987), vive e lavora a Brussels. La pittura di Crossley riflette su come le forme siano in grado di coesistere e rapportarsi all’interno di culture caratterizzate da un eccesso di velocità e frammentazione. L’artista vede la pittura come un terreno fertile per la sintesi e la trasformazione di immagini, gesti e materiali, che considera intercambiabili, a livello concettuale, materiale e percettivo.
Sean Crossley, born in Melbourne (1987), lives and works in Brussels. Crossley’s painting thinks about how forms can produce and perform within cultures of abundance, speed and fragmentation. He sees painting as a fertile site for the synthesis and transformation of images, gestures and materials – all of which he considers interchangeable on any conceptual, material or perceptual level.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea

Francesco Irnem è nato a Roma nel 1981. Vive tra Roma e New York. Il suo lavoro si sviluppa a partire da un’indagine sulla scultura e sulla pittura focalizzandosi sul rapporto tra spazio naturale e spazio artificiale.
Irnem indaga la necessità dell’uomo di adattarsi all’ambiente che lo circonda utilizzando materiali che provengono dall’ingegneria cantieristica spesso rappresentati come strutture invasive rispetto allo spazio e al paesaggio naturale. Il lavoro di Irnem si focalizza sulla necessità dell’uomo di sentirsi protetto e schermato da ciò che lo circonda, analizzando i margini e le linee di confine che si instaurano all’interno di questo meccanismo antropologico.
Tra le principali mostre personali ricordiamo: Valentina Moncada Gallery (Roma, 2011) e Galleria Altri Lavori in Corso (Roma, 2008; 2009). Tra le mostre collettive: Canal 05 Gallery, Brussels; Palazzo Collicola, Spoleto; Palazzo delle Esposizioni, Roma; CO2 Contemporary Art, Roma; Palazzo Montecitorio, Roma; Scottish National Portrait Gallery, Edinburgo; Laing Art Gallery, Newcastle; National Portrait Gallery, Londra; Fondazione Aristide Merloni, Roma; Grenzen Borders, Deutsches Kulturhaus, Laives.
Nel 2013 è vincitore del Primo Premio alla Biennale Giovani di Monza.

Francesco Irnem was born in Rome in 1981. He lives between Rome and New York. His work develops from a research on sculpture and painting, focusing on the relationship between natural and artificial spaces. Irnem investigates the need of the human beings to adapt themselves to the surrounding environment, using materials derived from the engineering building, often represented as invasive structures in comparison to the area and the natural landscape. The work of Irnem focuses on man’s need to feel protected and shielded from his surroundings, analysing margins and boundaries that are established within this anthropological mechanism.
Among the major solo exhibitions include: Valentina Moncada Gallery (Rome, 2011) and Galleria Altri Lavori in Corso (Rome, 2008; 2009). Among the group exhibitions: Canal 05 Gallery, Brussels; Palazzo Collicola, Spoleto; Palazzo delle Esposizioni, Rome; CO2 Contemporary Art, Rome; Palazzo Montecitorio, Rome; Scottish National Portrait Gallery, Edinburgh; Laing Art Gallery, Newcastle; National Portrait Gallery, London; Fondazione Aristide Merloni, Rome; Grenzen Borders, Deutsches Kulturhaus, Laives.
In 2013 he won the First Prize at the Biennale Giovani di Monza.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea

Saul Melman vive e lavora a Brooklyn, New York. Ha conseguito il Master in Fine Arts presso il Bard College nel 2009. Il lavoro di Melman è stato esposto in gallerie e spazi istituzionali tra cui, per citarne alcuni: MoMAPS1, Whitney Museum of American Art, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Socrates Sculpture Park, Dieu Donné Papermill, San Diego Art Institute, Thierry Goldberg Gallery e Cabinet Magazine Gallery. “Central Governor”, scultura/performance che Melman ha realizzato per la serie “Greater New York” del MoMAPS1 nel 2010, è una installazione semi-permanente del museo. Melman ha partecipato a residenze per artisti a Dieu Donné Papermill, Socrates Sculpture Park, Lower Manhattan Cultural Council, Culture Push, BoxoHouse e Joshua Tree Highlands Artist Residency. Il suo lavoro è stato recensito e commentato su: The New York Times, The Believer Magazine, The Brooklyn Rail, Culture Hall, Kunstforum.as (Oslo), The Huffington Post, ArtSlant e Whitehot Magazine.

Saul Melman lives and works in Brooklyn, New York. He received an MFA from Bard College in 2009. Melman’s work has been shown at public institutions and galleries including: MoMAPS1, Whitney Museum of American Art, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Socrates Sculpture Park, Dieu Donné Papermill, San Diego Art Institute, Thierry Goldberg Gallery and Cabinet Magazine Gallery among others. Central Governor, a performance/sculpture Melman created for the 2010 MoMAPS1 Greater New York exhibition is a long-term installation at the museum. Melman has completed residencies at Dieu Donné Papermill, Socrates Sculpture Park, Lower Manhattan Cultural Council, Culture Push, BoxoHouse and the Joshua Tree Highlands Artist Residency. His work has been featured in media outlets including: The New York Times, The Believer Magazine, The Brooklyn Rail, Culture Hall, Kunstforum.as (Oslo), The Huffington Post, ArtSlant, and Whitehot Magazine.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea

“La memoria è un processo creativo. Più ricordi hai e più inventi”. Cresciuto nel suo quartiere di Chicago Sud sulla scia dello sconvolgimento culturale – l’afflusso di lavoratori e famiglie di origine messicana, afroamericana e dell’est europeo nei primi del novecento, e la successiva ‘fuga di bianchi’ nei decenni a seguire – Ryan ha sempre sentito una costante presenza degli eventi che hanno preceduto la sua nascita. Questa è forse la ragione per cui i suoi disegni imponenti, costruiti su strati di fogli di carta impiegando semplici strumenti quali grafite, inchiostro e gesso, sono permeati di un senso del passato che ci sembra familiare ed estraneo allo stesso tempo.
“Memory is a creative process. The more you remember, the more you invent.” Raised in the wake of cultural upheaval in his South Chicago neighborhood – the influx of Mexican, African American and Eastern European workers and families in the early twentieth century, and the subsequent White Flight in the following decades – Ryan felt the constant presence of events that took place before he was born. This is perhaps why his massive drawings, constructed on layered sheets of paper using the simple tools of graphite, ink and gesso, are imbued with a sense of a past that is familiar and alien at the same time.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea

In questa doppia personale, pensata per gli spazi di Anna Marra Contemporanea, Elena Nonnis e Chiara Valentini uniscono le forze per spingerci a riflettere sul delicato – e, purtroppo ancora oggi, di estrema attualità – tema della sopraffazione, declinato nelle sue molteplici forme, che getta nella spirale della violenza vittime e carnefici. Solo grazie all’educazione al rispetto della persona e alla diffusione della cultura della diversità sarà possibile arginare e reagire alla violenza di genere.

In this double personal, designed for the spaces of Annamarracontemporanea, Elena Nonnis and Chiara Valentini join forces to oblige us consider the delicate – today still tragically current – subject of abuse, declined in its many forms, that casts into the spiral of violence both victims and perpetrators. Only through education that teaches us to respect all people and to a spread of the culture of diversity will it be possible to curb and fight sexual violence.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dall’24 settembre al 30 ottobre 2014.

Berlino, una mattina presto, orario di punta.
Vincenzo Rulli si confonde tra la folla di impiegati, studenti e turisti, che anima la U-Bahn in un giorno di ordinaria quotidianità. Vestito di tutto punto ci si aspetta che abbia una 24ore con sé e invece lo si scorge scendere e salire dai convogli con un arnese inconsueto in mano. Forse un manifesto da corteo, forse una bandiera. L’artista si immerge nel tessuto di una società urbana articolata – come fosse un novello Prometeo in discesa verso gli Inferi – per svolgere la sua particolare missione: la ricerca ostinata e incessante di una chiave di lettura della realtà che lo circonda, adoperando gli strumenti a lui più congeniali, quelli effimeri del fare arte.
Una serie di scatti fotografici documenta lo spostamento di quest’uomo qualunque e di un’umanità variopinta che viaggia con lui nel ventre della città. Foto rubate, scevre da ogni estetismo e leziosità, scattate in modo da rappresentare lo scorrere della vita comune. È il racconto di un breve viaggio sotterraneo tra volti sconosciuti, etnie differenti che animano la Berlino contemporanea, con l’obiettivo di raggiungere un luogo altro, un altrove inusuale fra le mura della città.
L’azione performativa si trasferisce poi in un parco verde pubblico, meta frequentata e vissuta dai residenti. Riemerge dai percorsi sotterranei, all’aperto, esplora l’atmosfera, scruta l’aria e il suo portato in sospensione. Quindi dispiega le coppie di aste, srotola le garze semitrasparenti che le uniscono e pianta a terra quattro raccoglitori di semi di pioppo. I raccoglitori, privi dell’utilità oggettiva che contraddistingue gli oggetti usuali del nostro mondo quotidiano, sottraggono lo sguardo all’abitudine sollecitandoci a porre la domanda sul senso stesso. I sostegni flessibili dei raccoglitori ondeggiano silenziosi nell’aria, mentre il tessuto leggero intercetta e trattiene tra le sue fitte trame migliaia di candidi piumini.
Una camera fissa riprende l’evento, registra i rumori della natura e il brusio lontano della metropoli.
Nulla accade intorno, nulla disturba la quiete di questo momento fortemente lirico, a tratti onirico.
Tutto il lavoro si sviluppa per progressiva elisione di sovrastrutture mentali. In questa direzione l’indagine poetica supera la contraddizione tra consueto e inconsueto. Inizia così l’ultimo passo di questo percorso di avvicinamento all’essenza del fare arte. Il fiore di pioppo diventa un materiale della scultura, la sostanza da cui l’autore riparte per meditare e indagare sull’esperienza vissuta, per ricostruirne la memoria sotto forma di opera d’arte.
La mostra ripercorre le tappe salienti della recente riflessione di Vincenzo Rulli. In un allestimento rarefatto e rigoroso, le opere si accostano l’una all’altra in un gioco continuo di rimandi e di contrasti, ove si confrontano tecniche e si sperimentano linguaggi. Una selezione di stampe fotografiche testimonia in due momenti cruciali l’atto performativo, che dispiegandosi dialetticamente tra civiltà e natura, sboccia in un nuovo legame che l’artista instaura con il mondo circostante.
Agli scatti si affianca la videoproiezione sulla raccolta dei semi di pioppo nel parco cittadino di Kreuzberg, una ripresa a camera fissa riproposta in loop (4′ 43”).
C’è anche spazio per alcuni frammenti di realtà: un esemplare del raccoglitore, i sacchi di cotone ricolmi di spore, un paio di scarpe leggere – modellate sul piede dell’artista – con le quali volare lontano.

Lorenzo Respi

L'articolo Focus on Vincenzo Rulli proviene da Gangemi.